Keracoll colors entra a casa dello psicologo di origini bresciane Fabio. Situata in un palazzo degli anni ‘30, l’abitazione conserva il fascino degli elementi originali. A unire passato e presente è la tavolozza, basata su colori in armonia.
PH Daniel Farò
Keracoll colors, colori in armonia a casa di Fabio
Situata in un palazzo degli anni ‘30, l’abitazione conserva il fascino degli elementi originali. Dal parquet a spina italiana agli stucchi decorativi che dialogano con arredi contemporanei e icone del design. A unire passato e presente è il colore, vero protagonista del progetto. Fabio, basandosi sui principi della cromoterapia, ha creato una tavolozza di colori in armonia.
PH Daniel Farò
L’ingresso e lo studio, sono avvolti da un verde intenso che riveste pareti, soffitto e infissi, a creare un “effetto scatola”. Qui i colori raccontano il lato più introspettivo del padrone di casa, evocando la complessità e la profondità della mente umana.
PH Daniel Farò
Nel soggiorno, il contrasto tra bianco e tonalità verde-blu crea un’atmosfera accogliente e rilassata, pensata per favorire la convivialità e l’incontro.
La cucina si distingue per le sfumature di un blu chiaro e polveroso, che dialogano con il legno, dando vita a un ambiente luminoso e conviviale.
In camera da letto, infine, le tonalità terracotta introducono una sensazione di calore e protezione, trasformando lo spazio del riposo in un rifugio intimo e rigenerante.
PH Daniel Farò
Conosciamo meglio Fabio
Per Fabio, psicologo di origini bresciane, le tonalità non sono semplici scelte estetiche, ma strumenti capaci di influenzare emozioni, percezioni e stati d’animo. Fabio appare come qualcuno che osserva il mondo con sensibilità e attenzione, che ricerca l’armonia senza rinunciare alla profondità e che considera il benessere un equilibrio tra relazione e introspezione.
Ogni ambiente riflette un aspetto del suo carattere e della sua professione, dimostrando come il colore possa diventare un linguaggio capace di raccontare identità, valori e visioni del mondo.
I colori scelti da Fabio per il progetto: KK 1300 – Neutral Chart, KK 2278 – Blue Chart, KK 2336 – Green Chart, KK 2811 – Blue Chart, KK 1330 – Neutral Chart, KK 6337 – Terracotta Chart
È arrivato il momento che molti dei nostri lettori aspettavano: il Calendario Avvento Westwing 2026 è finalmente disponibile, e come ogni anno promette di trasformare l’attesa del Natale in un piccolo rito quotidiano fatto di scoperte e sorprese firmate. L’edizione di quest’anno si presenta come un oggetto del desiderio a tutti gli effetti, in edizione rigorosamente limitata e illustrata a mano dall’artista Kera Till, il cui tratto pittorico trasforma il cofanetto in un pezzo decorativo già prima ancora di essere aperto.
Cosa contiene il calendario Avvento Westwing 2026
Dietro ciascuna delle ventiquattro finestrelle si nasconde un prodotto esclusivo, frutto di una selezione curata tra la Westwing Collection e alcuni tra i marchi più amati del design scandinavo e internazionale: Aesop, Bloomingville, Audo Copenhagen, Ferm Living, DBKD, Philippi, Vinga, Vondels, WMF, Archivist e Broste. Un mix che spazia dalla cura della persona agli oggetti per la tavola, passando per complementi decorativi pensati per accompagnare la casa nella stagione più calda dell’anno, quella delle luci soffuse e delle candele accese.
Il valore complessivo degli articoli contenuti nel Calendario Avvento Westwing 2026 supera i 700 euro, a fronte di un prezzo di vendita di 249 euro: un divario che, da sempre, è il vero motivo per cui il calendario Westwing viene preso d’assalto appena torna disponibile.
Design e formato: un oggetto da esporre
Al di là del contenuto, è il contenitore stesso a fare la differenza. Il calendario Avvento Westwing 2026 si presenta in un formato importante — 43 cm di larghezza, 67 cm di lunghezza e 66 cm di altezza — pensato non per essere nascosto in un angolo, ma per diventare protagonista dell’ingresso o del salotto durante tutto il mese di dicembre. La palette cromatica, rosso scuro e bianco, richiama l’iconografia natalizia più classica, mentre le illustrazioni di Kera Till aggiungono quel tocco artistico che negli ultimi anni ha reso il prodotto un piccolo caso di costume sui social, complice anche la moda degli “unboxing” quotidiani.
Perché conviene acquistarlo in anticipo
Chi segue Westwing da qualche stagione sa che la disponibilità del calendario dell’Avvento è tutt’altro che infinita: trattandosi di un’edizione limitata, le scorte si esauriscono rapidamente, spesso ben prima dell’inizio di dicembre. Per questo motivo consigliamo ai lettori interessati di monitorare la pagina ufficiale del brand e di procedere all’acquisto non appena il prodotto risulta disponibile, evitando così di restare esclusi da uno degli appuntamenti più attesi del calendario shopping natalizio.
Un’ultima precisazione utile prima dell’acquisto: non è possibile effettuare un reso parziale. Il calendario può essere restituito solo integro e non aperto, quindi la scelta va ponderata con attenzione, magari verificando in anticipo l’elenco dei brand coinvolti per assicurarsi che rispecchino i propri gusti.
Calendario Avvento Westwing 2026: un regalo, o un piccolo rito quotidiano
Che lo si scelga per sé o per una persona cara, il Calendario Avvento Westwing 2026 si conferma come uno dei modi più eleganti per vivere l’attesa del Natale: ogni giorno una piccola sorpresa, un oggetto di design da scoprire e da custodire, in un percorso che accompagna la casa — e chi la abita — fino alla vigilia. Un appuntamento fisso per chi ama l’interior design con la stessa cura con cui sceglie ogni dettaglio della propria abitazione.
Quando si scelgono le zanzariere l’attenzione va quasi sempre alla rete, cioè alla parte che si vede. È però il resto a determinare quanto durerà: il profilo che la sostiene, il trattamento superficiale che lo protegge, i piccoli componenti che ne governano il movimento. Dopo cinque o sei stagioni la differenza tra una soluzione ben costruita e una economica si legge in modo netto, e raramente dipende dalla maglia.
Le reti: 4 famiglie, 4 compromessi
La rete decide cosa passa e quanta luce entra, e ogni materiale porta con sé un compromesso.
La fibra di vetro rivestita in PVC è lo standard sulle aperture domestiche. È elastica, quindi assorbe gli urti accidentali senza deformarsi in modo permanente, e ha una riflettenza bassa, motivo per cui risulta poco visibile anche su superfici estese. Il rivestimento è la parte vulnerabile: si rovina con getti a pressione, spazzole rigide e detergenti aggressivi, e una volta segnato non si recupera.
L’alluminio in rete è più resistente agli urti ma anche più visibile, e soprattutto si ammacca in modo definitivo. Una piega rimane, e su un’anta che viene urtata regolarmente diventa antiestetica.
Le reti a maglia fine, dette antipolline o antismog, trattengono una parte del particolato oltre agli insetti. Sono indicate dove ci sono allergie stagionali o traffico intenso, con la contropartita di un passaggio d’aria e una luminosità inferiori. Su vani piccoli o senza ventilazione incrociata la differenza si avverte.
Le reti rinforzate, note anche come pet screen, usano trame più spesse e resistenti a graffi e spinte. Su una porta che un cane usa come passaggio abituale sono l’unica opzione che supera la prima stagione.
Le finiture e il coordinamento con il serramento
Il trattamento superficiale del profilo assolve a due funzioni contemporaneamente: protegge il metallo e determina come l’elemento si inserisce nella facciata.
La verniciatura a polvere è la soluzione più diffusa e permette qualsiasi tonalità della scala RAL, comprese le finiture effetto legno. È la ragione per cui conviene ordinare i profili nella stessa tinta degli infissi esistenti: la zanzariera si legge come una prosecuzione del serramento invece che come un elemento aggiunto. Su infissi scuri un profilo chiaro crea una cornice che l’occhio registra immediatamente, ed è l’effetto contrario a quello desiderato.
L’anodizzazione crea uno strato di ossido protettivo integrato nel metallo, quindi non si scheggia come una vernice, ma offre una gamma cromatica più limitata.
Vale la pena decidere la finitura in fase d’ordine anche in rapporto alle altre schermature presenti sullo stesso fronte. Dove convivono tapparelle, persiane e tende tecniche, coordinare i colori costa nulla se pianificato e diventa impossibile dopo.
Cosa cede per primo
Nell’esperienza corrente, la rete non è quasi mai il primo componente a segnalare usura. Lo sono le parti in movimento e quelle di tenuta.
Gli spazzolini di battuta si schiacciano e si consumano con l’uso, e quando perdono consistenza lasciano passare insetti pur con la rete perfettamente integra. Si sostituiscono sfilandoli dalla sede, ed è l’intervento più economico che esista.
Le molle delle avvolgibili perdono tensione: il pannello risale piano o si ferma a metà corsa. Su molti modelli la carica si può ripristinare, ma l’operazione va fatta conoscendo il meccanismo.
I cordini delle plissettate si allentano e la rete si apre storta. In genere la tensione si recupera agendo sui registri alle estremità del profilo.
Le guide, infine, non si consumano: si sporcano. Terra e sabbia che vi si accumulano sono la causa più frequente dei blocchi di scorrimento, e si risolvono con due pulizie l’anno.
La sostenibilità del materiale
Sul fronte ambientale l’alluminio ha una caratteristica che incide sul bilancio complessivo di un serramento: è un materiale permanente, riciclabile un numero indefinito di volte senza perdere le proprietà fisiche e chimiche originarie. Secondo i dati del Consorzio Nazionale Imballaggi Alluminio, produrre alluminio da riciclo consente di risparmiare circa il 95% dell’energia necessaria a ricavarlo dalla materia prima, e in Italia l’intera produzione nazionale si basa ormai sul riciclo.
Tradotto sul prodotto finito: un profilo in alluminio che dura vent’anni e a fine vita rientra nel ciclo produttivo ha un impatto molto diverso da una soluzione economica sostituita tre volte nello stesso periodo. La durata, in questo senso, è essa stessa una scelta di sostenibilità.
Il fattore che conta più del materiale
Detto tutto questo, c’è un aspetto che pesa più della scheda tecnica, e riguarda la geometria del vano.
Gli insetti non attraversano la rete: trovano il punto in cui il telaio non aderisce alla muratura. Un angolo dove lo spazzolino non combacia, una fessura tra guida e spalletta, un profilo montato su un muro fuori piombo. Negli edifici non recenti questa è la condizione normale, perché i davanzali hanno pendenze per lo scolo e le spallette non sono parallele.
Un telaio realizzato sulle quote effettive del vano compensa queste irregolarità con guarnizioni e spazzolini continui su tutto il perimetro. Uno acquistato in formato standard le subisce. È il motivo per cui sulle aperture importanti il rilievo eseguito sul posto vale più di qualsiasi specifica di materiale, e sul sito del produttore conviene verificare se il servizio comprende sopralluogo e posa oppure solo la fornitura: la differenza sul risultato finale è sostanziale.
In conclusione
Per orientarsi senza perdersi nelle schede tecniche bastano pochi riferimenti. Profilo in alluminio con spessore adeguato, verificabile premendolo. Rete scelta in funzione dell’uso reale, standard nella maggior parte dei casi, fine dove ci sono allergie, rinforzata con animali. Finitura coordinata agli infissi, decisa in fase d’ordine. Spazzolini pieni e continui su tutto il perimetro di battuta. E misure prese sul vano, non sul catalogo.
C’è un ambiente della casa che, fino a poco tempo fa, veniva relegato a semplice retrobottega funzionale: la lavanderia. Oggi la lavanderia di design sta cambiando questa percezione, e in fretta. Complice il ritorno alle routine dopo l’estate — quando valigie e cassetti tornano al loro posto e la casa ritrova i suoi ritmi quotidiani — sempre più progettisti e brand di arredo stanno riscoprendo il valore progettuale degli spazi dedicati alla cura della casa.
Il caso più interessante del momento arriva da Archeda, che con la collezione Tulle Studio 18 dimostra come una lavanderia di design possa diventare parte integrante del racconto estetico dell’abitazione, allo stesso livello di un bagno o di una zona giorno curata nei minimi dettagli.
Lavanderia di design: perché è una delle tendenze bagno 2026
Per anni la progettazione d’interni ha concentrato le proprie energie su living, cucina e bagno, lasciando la lavanderia come spazio puramente utilitario. Il cambio di passo che si osserva oggi nasce da una considerazione semplice: il benessere domestico non si costruisce solo negli spazi dedicati al relax, ma anche in quelli che scandiscono i gesti quotidiani più pratici.
Riordinare, stirare, organizzare: sono azioni che si ripetono ogni giorno, e un ambiente pensato con cura può renderle più piacevoli, oltre che più funzionali. È questa la filosofia dietro a molte delle nuove proposte di arredo bagno-lavanderia che stanno emergendo nel design contemporaneo.
Tulle Studio 18: il caso studio di Archeda
Con questa composizione, Archeda applica agli spazi di servizio la stessa cura progettuale riservata da sempre al bagno, costruendo un racconto d’arredo unitario tra i due ambienti.
I materiali e le finiture
Il risultato è un sistema di mobili lavanderia eleganti che trasforma un semplice ambiente di servizio in una vera lavanderia di design, pensata per non sfigurare accanto agli arredi del bagno. Il progetto si distingue per un linguaggio materico coerente e riconoscibile:
Finitura Giada Opaco, che riveste strutture, frontali e volumi con un effetto discreto ed elegante
Top con lavabo Rock-Up in Geacryl Color Matt Giada, pensato per restituire la sensazione di una superficie continua e rigorosa
Pensile Opera con illuminazione laterale integrata
Boiserie con mensole in metallo Giada
Specchio Filux abbinato alla lampada Lux Color
La combinazione di questi elementi crea un ambiente in cui funzionalità ed estetica non sono in competizione, ma si completano a vicenda.
Bagno e lavanderia collegati: l’idea chiave di Tulle Studio 18
L’elemento più interessante di Tulle Studio 18 non è un singolo componente, ma un principio compositivo: il collegamento visivo e architettonico tra bagno e lavanderia.
Attraverso colonne a terra con sopralzi e un elemento passante tra i due ambienti, Archeda costruisce una sequenza spaziale continua, che elimina la sensazione di stacco netto tra zona bagno e zona lavanderia. Il contenimento — cassetti, colonne, vani a scomparsa — diventa parte integrante del linguaggio estetico, non un semplice accessorio funzionale nascosto alla vista.
Questo approccio suggerisce una direzione precisa per chi sta progettando o ristrutturando casa: pensare bagno e lavanderia come un sistema unico, non come due ambienti separati da arredare con criteri diversi.
Come integrare la lavanderia nel bagno di design
Anche senza replicare l’intero progetto, alcuni spunti di Tulle Studio 18 sono facilmente trasferibili in contesti diversi:
Scegliere un’unica palette materica per bagno e lavanderia, così da creare continuità visiva anche se gli ambienti sono separati
Investire nell’illuminazione dei mobili contenitori (come il pensile con luce laterale), che aggiunge valore percettivo senza richiedere grandi interventi strutturali
Privilegiare il contenimento a vista organizzato, con colonne e vani pensati per essere esteticamente coerenti con il resto della casa, non semplicemente “nascosti”
Non sottovalutare i dettagli di raccordo, come soglie, passanti o elementi di transizione tra un ambiente e l’altro: sono spesso ciò che fa la differenza tra due stanze scollegate e un percorso abitativo fluido
Il benessere passa anche dagli spazi “di servizio”
Il messaggio di fondo di progetti come Tulle Studio 18 di Archeda è che il benessere domestico non nasce solo dagli ambienti dedicati al tempo libero. Nasce anche — e forse soprattutto — da quegli spazi che, ogni giorno, rendono la vita più semplice e ordinata.
La lavanderia, in questo senso, non è più l’ultima stanza della casa a cui pensare: una lavanderia di design può diventare un ambiente capace di raccontare la stessa qualità progettuale del resto dell’abitazione.
Hai in programma una ristrutturazione che coinvolge bagno e lavanderia? Scopri gli altri articoli del nostro magazine dedicati alle tendenze bagno 2026.
C’è un luogo, sulle rive del Lago di Como, dove il tempo sembra essersi fermato per poi rimettersi in moto con una nuova, sorprendente energia. È qui che sorge la villa firmata Gianfranco Ferré, protagonista di “Retrospettiva sul Lago”, il progetto firmato Pelizzari Studio che restituisce vita e attualità a una dimora storica, portando avanti un dialogo silenzioso ma intensissimo con il suo passato più illustre.
La villa, infatti, porta la firma di uno dei più grandi visionari dell’estetica italiana. Fu proprio Ferré, negli anni della sua massima creatività, a concepire questa residenza per una coppia di amici, imprenditori nel settore della seta, curandone personalmente ogni dettaglio architettonico e d’interni. Un intervento che, all’epoca, anticipava una sensibilità nuova verso l’interior design, capace di fondere rigore compositivo e ricercatezza sartoriale, la stessa che Ferré applicava alle sue collezioni.
Con il passare degli anni, tuttavia, quella visione originaria aveva progressivamente perso smalto. Il passaggio di proprietà a una giovane famiglia di imprenditori ha reso evidente quanto il tempo avesse eroso la razionalità e il fascino di un progetto pensato per un’epoca diversa. I nuovi proprietari desideravano qualcosa di più contemporaneo: un’atmosfera easy living, informale ma raffinata, capace di parlare il linguaggio dell’abitare di oggi senza rinunciare a un’eleganza sottile e riconoscibile.
Una rilettura rispettosa della memoria
È da questa esigenza che nasce l’intervento di Pellizzari Studio, chiamato a rileggere le planimetrie originarie e a rimodulare gli spazi dei tre piani della villa firmata Gianfranco Ferré secondo le nuove dinamiche abitative della famiglia. La sfida, tutt’altro che semplice, è stata quella di intervenire con decisione senza cancellare l’anima del progetto originale, conservando alcuni elementi identitari capaci di raccontare la storia della casa.
Il risultato è un percorso progettuale affascinante, che mantiene alcuni impianti d’origine esaltandone al contempo le peculiarità, in una sintesi magistrale tra linee retrò e linguaggio contemporaneo. Gli architetti hanno lavorato sugli elementi architettonici e sulle pareti trasformandoli in autentici scenari, con una ricerca meticolosa sui materiali e un’estetica capace di dialogare con il passato senza mai perdere di vista la funzionalità del presente.
Le forniture, per lo più realizzate su misura, si integrano con naturalezza accanto ai pezzi iconici preesistenti. L’antico camino in marmo, affiancato dalla coppia di mobili Biedermeier scelti a suo tempo dallo stesso Ferré, è oggi valorizzato da dipinti dal rosso acceso che richiamano le suggestioni dei gioielli orientali. Le storiche lampade a sospensione di Adolf Loos illuminano invece il nuovo tavolo da pranzo disegnato da Pellizzari Studio, dal piano in vetro retrolaccato color crema: un equilibrio compositivo che non cede mai alla banalità, ma gioca costantemente con contrasti misurati.
Materiali e palette: una narrazione sensoriale
Il progetto si distingue per una selezione materica capace di raccontare, attraverso contrasti raffinati e armonie sottili, un’esperienza sensoriale completa. Il calore del legno dialoga con la matericità della pietra preesistente nelle pavimentazioni, mentre i metalli verniciati neri e le finiture in ottone aggiungono un twist di carattere e di eleganza contemporanea.
La palette cromatica dell’intera villa firmata Gianfranco Ferrè si muove tra i toni dei grigi e delle sabbie, per poi accendersi improvvisamente di un raro color acqua, capace di replicare fedelmente la tonalità del lago che si estende oltre le vetrate. Un espediente cromatico che lega indissolubilmente l’architettura al paesaggio circostante, rendendo la casa parte integrante del contesto naturale in cui sorge.
Il cantiere, durato oltre un anno, ha comportato scelte tecniche, paesaggistiche e scenografiche di rilievo, sempre orientate a preservare l’attenzione verso il progetto originale pur consentendo l’ingresso di codici nuovi e attuali.
Nuovi spazi per un nuovo modo di abitare
Le nuove distribuzioni interne hanno dato forma a dettagli seducenti, tagli di luce inaspettati e soluzioni di superficie sorprendenti. La generosa metratura della villa ha permesso di articolare diverse zone private: suite padronali e per gli ospiti, complete di aree lounge dedicate e ampi dressing, spazi wellness e relax, una family room e grandi terrazze proiettate verso l’acqua, circondate dai monti che incorniciano il lago.
Particolare cura è stata riservata all’area home theatre ed entertainment, pensata attorno a un grande divano angolare in velluto color ghiaccio, posizionato su una pedana rialzata per garantire la miglior visuale possibile e un senso di intimità. Al suo fianco, una chaise longue nei toni dell’acqua e un ampio coffee table in legno di eucalipto completano la composizione. Non manca un tocco scenografico: una coppia di contenitori a nicchia, dai profili in ottone acidato e dai fondali in alcantara, accompagna il grande tavolo da biliardo, elemento di convivialità e gioco.
Al termine dei lavori, gli ambienti si rivelano luminosi, plasmati da un progetto di lighting design attento e dalla luce naturale che filtra dal lago, definendo ogni pezzo d’arredo in un continuo rimando tra natura e anima. La villa firmata Gianfranco Ferré non racconta soltanto la storia di una ristrutturazione: è la testimonianza di come l’interior design possa farsi custode della memoria, trasformandola in un linguaggio capace di parlare al presente.
C’è un luogo, sulle rive del Lago di Como, dove il tempo sembra essersi fermato per poi rimettersi in moto con una nuova, sorprendente energia. È qui che sorge la villa di Gianfranco Ferré, protagonista di “Retrospettiva sul Lago”, il progetto firmato Pellizzari Studio che restituisce vita e attualità a una dimora storica, portando avanti un dialogo silenzioso ma intensissimo con il suo passato più illustre.
La villa, infatti, porta la firma di uno dei più grandi visionari dell’estetica italiana. Fu proprio Ferré, negli anni della sua massima creatività, a concepire questa residenza per una coppia di amici, imprenditori nel settore della seta, curandone personalmente ogni dettaglio architettonico e d’interni. Un intervento che, all’epoca, anticipava una sensibilità nuova verso l’interior design, capace di fondere rigore compositivo e ricercatezza sartoriale, la stessa che Ferré applicava alle sue collezioni.
Con il passare degli anni, tuttavia, quella visione originaria aveva progressivamente perso smalto. Il passaggio di proprietà a una giovane famiglia di imprenditori ha reso evidente quanto il tempo avesse eroso la razionalità e il fascino di un progetto pensato per un’epoca diversa. I nuovi proprietari desideravano qualcosa di più contemporaneo: un’atmosfera easy living, informale ma raffinata, capace di parlare il linguaggio dell’abitare di oggi senza rinunciare a un’eleganza sottile e riconoscibile.
Una rilettura rispettosa della memoria
È da questa esigenza che nasce l’intervento di Pellizzari Studio, chiamato a rileggere le planimetrie originarie e a rimodulare gli spazi dei tre piani della villa di Gianfranco Ferré secondo le nuove dinamiche abitative della famiglia. La sfida, tutt’altro che semplice, è stata quella di intervenire con decisione senza cancellare l’anima del progetto originale, conservando alcuni elementi identitari capaci di raccontare la storia della casa.
Il risultato è un percorso progettuale affascinante, che mantiene alcuni impianti d’origine esaltandone al contempo le peculiarità, in una sintesi magistrale tra linee retrò e linguaggio contemporaneo. Gli architetti hanno lavorato sugli elementi architettonici e sulle pareti trasformandoli in autentici scenari, con una ricerca meticolosa sui materiali e un’estetica capace di dialogare con il passato senza mai perdere di vista la funzionalità del presente.
Le forniture, per lo più realizzate su misura, si integrano con naturalezza accanto ai pezzi iconici preesistenti. L’antico camino in marmo, affiancato dalla coppia di mobili Biedermeier scelti a suo tempo dallo stesso Ferré, è oggi valorizzato da dipinti dal rosso acceso che richiamano le suggestioni dei gioielli orientali. Le storiche lampade a sospensione di Adolf Loos illuminano invece il nuovo tavolo da pranzo disegnato da Pellizzari Studio, dal piano in vetro retrolaccato color crema: un equilibrio compositivo che non cede mai alla banalità, ma gioca costantemente con contrasti misurati.
Materiali e palette: una narrazione sensoriale
Il progetto si distingue per una selezione materica capace di raccontare, attraverso contrasti raffinati e armonie sottili, un’esperienza sensoriale completa. Il calore del legno dialoga con la matericità della pietra preesistente nelle pavimentazioni, mentre i metalli verniciati neri e le finiture in ottone aggiungono un twist di carattere e di eleganza contemporanea.
La palette cromatica dell’intera villa di Gianfranco Ferrè si muove tra i toni dei grigi e delle sabbie, per poi accendersi improvvisamente di un raro color acqua, capace di replicare fedelmente la tonalità del lago che si estende oltre le vetrate. Un espediente cromatico che lega indissolubilmente l’architettura al paesaggio circostante, rendendo la casa parte integrante del contesto naturale in cui sorge.
Il cantiere, durato oltre un anno, ha comportato scelte tecniche, paesaggistiche e scenografiche di rilievo, sempre orientate a preservare l’attenzione verso il progetto originale pur consentendo l’ingresso di codici nuovi e attuali.
Nuovi spazi per un nuovo modo di abitare
Le nuove distribuzioni interne hanno dato forma a dettagli seducenti, tagli di luce inaspettati e soluzioni di superficie sorprendenti. La generosa metratura della villa ha permesso di articolare diverse zone private: suite padronali e per gli ospiti, complete di aree lounge dedicate e ampi dressing, spazi wellness e relax, una family room e grandi terrazze proiettate verso l’acqua, circondate dai monti che incorniciano il lago.
Particolare cura è stata riservata all’area home theatre ed entertainment, pensata attorno a un grande divano angolare in velluto color ghiaccio, posizionato su una pedana rialzata per garantire la miglior visuale possibile e un senso di intimità. Al suo fianco, una chaise longue nei toni dell’acqua e un ampio coffee table in legno di eucalipto completano la composizione. Non manca un tocco scenografico: una coppia di contenitori a nicchia, dai profili in ottone acidato e dai fondali in alcantara, accompagna il grande tavolo da biliardo, elemento di convivialità e gioco.
Al termine dei lavori, gli ambienti si rivelano luminosi, plasmati da un progetto di lighting design attento e dalla luce naturale che filtra dal lago, definendo ogni pezzo d’arredo in un continuo rimando tra natura e anima. La villa di Gianfranco Ferré non racconta soltanto la storia di una ristrutturazione: è la testimonianza di come l’interior design possa farsi custode della memoria, trasformandola in un linguaggio capace di parlare al presente.
Ci sono manifestazioni che scelgono un tema e ce ne sono altre che lo mettono in pratica prima ancora di raccontarlo. Il Lake Como Design Festival 2026 appartiene alla seconda categoria: l’ottava edizione, in programma dal 12 al 20 settembre, ha come filo conduttore il Confine e la prima cosa che fa è oltrepassare il proprio, uscendo da Como per abbracciare anche Lecco. Nove giorni di mostre, installazioni e incontri diffusi lungo i due rami del lago, in una geografia che comprende ville neoclassiche, chiese, chiostri, archivi, accademie e laboratori di ricerca: molti di questi spazi restano chiusi al pubblico per undici mesi all’anno e proprio per questo diventano il cuore dell’esperienza.
Il tema Confine: non una linea, ma uno spazio abitabile
La parola scelta per il 2026 è volutamente scomoda. «Abbiamo scelto questo tema perché ci sembrava uno dei concetti più urgenti e attuali da interrogare», spiega il direttore creativo Lorenzo Butti. Il confine, osserva, viene oggi percepito soprattutto come separazione: delimita, divide, stabilisce appartenenze ed esclusioni. Ma è anche il punto in cui accade l’incontro, lo scambio, la trasformazione. Uno spazio dinamico più che una barriera.
Il design, per sua natura, lavora esattamente su queste soglie: tra artigianato e industria, tra materiale povero e materiale nobile, tra funzione e racconto. Da qui l’idea di una manifestazione costruita come un attraversamento, dove interrogarsi su dove finisce “l’altro” serve soprattutto a capire meglio chi siamo e in quale direzione vogliamo muoverci. I confini, suggerisce il festival, non sono necessariamente limiti da difendere o da superare: possono essere occasioni per generare prospettive e connessioni nuove.
Como e Lecco: una rivalità storica messa da parte
La dimostrazione più concreta di questo approccio è l’apertura all’altro ramo del lago. Per la prima volta il Lake Como Design Festival 2026 coinvolge Lecco con un programma realizzato in collaborazione con il Politecnico di Milano e ospitato in parte nel suo polo lecchese: una scelta che archivia, almeno per nove giorni, una rivalità campanilistica con radici antiche.
Confini instabili, polo territoriale di Lecco del Politecnico di Milano: modelli, materiali e immagini per raccontare la trasformazione del paesaggio alpino.
I temi affrontati partono dal territorio ma parlano a tutti: la trasformazione del paesaggio alpino, la cooperazione transfrontaliera tra Italia e Svizzera, la rappresentazione del femminile. C’è poi un progetto che merita attenzione particolare, Oltre al vedere, ospitato negli spazi di Francesca Brambilla Comunicazione e dedicato alla fruizione delle opere d’arte e degli oggetti di design da parte delle persone cieche e ipovedenti: un confine sensoriale affrontato con strumenti progettuali, non retorici. Il circuito coinvolge inoltre gli istituti di formazione superiore di Como — l’Università dell’Insubria, il Conservatorio e l’Accademia Aldo Galli – IED — allargando ulteriormente il perimetro della manifestazione.
Villa del Grumello: il passato come archivio da saccheggiare
Nelle sale della dimora storica affacciata sul lago, già fulcro di alcune passate edizioni, la collettiva Future in the Past ragiona sul rapporto tra memoria e progetto. L’idea è semplice e potente: trattare il passato come un archivio in cui cercare tesori dimenticati — bozzetti mai sviluppati, prototipi rimasti sulla carta — da usare come innesco di un nuovo atto creativo.
Così le fibbie delle popolazioni nomadi dell’Eurasia tornano, ingrandite, nelle opere dell’artista Lupo Borgonovo; i materiali d’archivio di AG Fronzoni dialogano con gli arredi della Collezione ’64, disegnata nel 1964 e oggi editata da Cappellini. Accanto, i disegni e le fotografie dell’Archivio Carla Badiali documentano le collaborazioni della pittrice e disegnatrice di tessuti con stilisti internazionali come Hubert de Givenchy e Pierre Balmain, mentre i pezzi di Lina Bo Bardi portati da Etel completano un racconto sul valore della contaminazione nella pratica di due tra le figure più originali del Novecento.
Proporzione Mediterranea e una boiserie che non lascia traccia
La villa ospita anche Proporzione Mediterranea, progetto ideato da Annarita Aversa dello studio Architetti Artigiani Anonimi con la curatela della galleria Giustini Stagetti di Roma. Il riferimento sono le case a volta della Costiera Amalfitana, esempio di architettura vernacolare in cui lo spazio abbraccia il corpo senza costringerlo: una lezione di misura che il progetto contemporaneo tende a dimenticare.
Nelle stesse sale, Eredi Marelli porta un mobile bar degli anni Quaranta di Paolo Buffa, decorato con incisioni tratte dai Fasti di Napoleone di Andrea Appiani. A tenere insieme il percorso è una boiserie in eucalipto sfumato che avvolge le pareti: non una modifica permanente dell’edificio storico, ma un’installazione reversibile progettata da Nicolò Spinelli con la curatela di Elisa Ossino. Un intervento che è esso stesso una riflessione sul confine tra conservazione e trasformazione.
Nel parco, infine, Nella Natura: storie di chi ha scelto un’altra vita raccoglie le fotografie di Selene Magnolia Gatti e i testi di Paola Manfredi per raccontare il quotidiano di chi ha lasciato la città.
Villa Saporiti: il contemporaneo entra in una casa decorata
La novità più attesa dell’edizione è l’apertura di Villa Saporiti, edificio neoclassico restituito al pubblico per la prima volta al termine di un restauro conservativo, con le sue stanze e il giardino vista lago. Qui trova casa la Contemporary Design Selection, la selezione di designer indipendenti curata da Giovanna Massoni.
Villa Saporiti, Como. Il salone ellittico con colonne scanalate, stucchi e pavimento in terrazzo alla veneziana, aperto al pubblico dopo il restauro conservativo.
«Dopo due anni in spazi prevalentemente outdoor abbiamo cercato una situazione più raccolta e più intensa: una struttura finemente decorata, ricca di dettagli, colori e materiali diversi, in cui il contemporaneo è chiamato a convivere e misurarsi apertamente con un linguaggio decorativo già esistente», racconta Francesca Prandelli, coordinatrice del festival e direttrice della collettiva. C’è anche una ragione che riguarda la missione di Wonderlake Como, ente ideatore e promotore della manifestazione: aprire i luoghi inaccessibili del territorio per costruire coscienza e conoscenza del patrimonio del lago, tanto in chi lo vive ogni giorno quanto in chi lo scopre per la prima volta.
I progetti selezionati arrivano da designer, artigiani, architetti e studi di oltre trenta Paesi e leggono il confine come laboratorio: che la sperimentazione consista nell’accogliere elementi di altre culture o nel rimescolare le gerarchie tra alto e basso, tra scarto e materiale prezioso.
La “speranza progettuale” secondo Maldonado
Sullo sfondo, spiega Giovanna Massoni, c’è la speranza progettuale teorizzata da Tomás Maldonado: il design come strumento per immaginare un mondo diverso. La curatrice la riconosce in chi fa del progetto un atto di responsabilità sociale diretta e non simbolica, e soprattutto in chi sperimenta senza garanzie di successo. Chi fa dialogare un telaio industriale europeo con motivi tessili raccolti in Laos. Chi fonde scansioni mediche e materia vegetale per immaginare corpi che ancora non esistono. Chi lascia che un braccio robotico lavori dodici ore consecutive alla ricerca di una tenerezza che sembrava appannaggio esclusivo della mano.
Sono ricerche prive, per ora, di un mercato pronto ad accoglierle: ed è esattamente questo a renderle preziose. Dimostrano che il design contemporaneo non si limita a rispondere alla domanda esistente, ma lavora con pazienza per costruire le condizioni culturali — nuovi materiali, nuovi metodi, nuove forme di stare insieme — perché quella domanda possa un giorno esistere.
Materia 2.0: la materioteca che apre le porte al Parco Sant’Elia
Tra i luoghi normalmente lontani dagli itinerari del pubblico che si aprono durante il festival c’è la materioteca di Materia 2.0, all’interno del Parco Sant’Elia. È lo spazio in cui si è formata la storia del progetto: un percorso di selezione, studio e catalogazione di materiali, superfici e prodotti per l’architettura e il design, costruito in oltre dieci anni di ricerca insieme a un patrimonio di relazioni con aziende, produttori e realtà artigianali.
La materioteca di Materia 2.0 al Parco Sant’Elia, Como: campionature, superfici e finiture raccolte in oltre dieci anni di ricerca, aperte al pubblico durante il festival.
La sede comasca è il laboratorio originario del metodo sartoriale di Materia 2.0, un approccio che parte dalla materia per costruire accostamenti, atmosfere e identità progettuali. Da quell’esperienza è nata l’evoluzione più recente: lo scorso anno il know-how sviluppato a Como ha trovato una nuova dimensione nel cuore di Milano, con l’apertura della più completa enciclopedia di materiali per l’architettura in Italia. La sede di via Marco Polo 9 occupa 500 metri quadrati e raccoglie 1.200 campioni, circa 5.000 pezzi esposti e oltre 15.000 prodotti a catalogo: un hub dedicato alla ricerca e alla progettazione.
Il percorso continua attraverso le moodboard, da sempre uno dei linguaggi distintivi dello studio: narrazioni visive che mettono in relazione materiali diversi per tradurre intuizioni e sperimentazioni in possibili scenari dell’abitare. Nel 2026, in occasione della Milano Design Week, Materia 2.0 ha celebrato dieci anni di moodboard con un allestimento dedicato ai linguaggi emergenti del design e ai materiali del futuro, esplorando soluzioni nate dal riciclo e dal recupero di scarti, materiali naturali e compositi innovativi.
Durante il festival la materioteca di Como torna dunque ad aprirsi al pubblico: un’occasione per entrare nel luogo in cui il metodo ha preso forma e toccare con mano un patrimonio di materiali, idee e connessioni.
Informazioni utili
Lake Como Design Festival 2026 — dal 12 al 20 settembre 2026, Como e Lecco. Materia 2.0 — Parco Sant’Elia, 22100 Como | orario 9.00 – 18.00.
Quando l’immaginario di un regista incontra la scala industriale di un colosso del retail, il risultato raramente resta nei limiti di una semplice capsule. È il caso di Atlas of Desire, la nuova collezione firmata da Baisi e Guadagnino per Zara Home — la collaborazione più estesa mai realizzata dal marchio spagnolo. Il progetto, ideato dal production designer Stefano Baisi e dal regista Luca Guadagnino, debutta il 26 settembre nei negozi e online, in concomitanza con la Milano Fashion Week.
Atlas of Desire: una collezione-mondo tra design e cinema
I numeri raccontano l’ambizione dell’operazione: oltre 200 pezzi che spaziano da mobili e illuminazione ad articoli per la tavola, tessili, tappeti, specchi e candele profumate, affiancati da una linea ready-to-wear completa. Non un semplice merchandising di gamma, ma un vero e proprio sistema abitativo che mette in dialogo la casa e il guardaroba.
Baisi Guadagnino per Zara Home by Valerie Sadoun
Sul piano estetico, Baisi e Guadagninoper Zara Home attingono a un repertorio colto e stratificato: le geometrie della Secessione viennese, gli slanci dell’Art Déco, le suggestioni del Modernismo brasiliano e gli scarti concettuali del Design Radicale italiano si fondono in forme curve e volumi avvolgenti. Alcuni motivi illustrati dall’artista italiano Francesco Snote, con frutti, fiori e fauna, ricorrono sia negli abiti sia negli oggetti per la tavola, rafforzando il senso di coerenza tra le due anime del progetto.
Baisi Guadagnino per Zara Home by Valerie Sadoun
Non è la prima incursione di Guadagnino nell’universo Zara: il regista aveva già firmato un cortometraggio natalizio per il brand nel 2021, un precedente da cui la nuova partnership sembra essersi sviluppata in modo naturale, secondo quanto raccontato dai vertici dell’azienda.
Baisi Guadagnino per Zara Home by Valerie Sadoun
Il sodalizio dietro Atlas of Desire viene dal cinema
La collezione non nasce a tavolino, ma da quasi un decennio di collaborazione tra i due creativi, cominciata quando Guadagnino chiamò Baisi a dirigere il proprio studio di interior design. Da allora Baisi ha curato la scenografia di molte delle produzioni più recenti del regista, mentre il loro linguaggio condiviso ha attraversato architettura d’interni, moda e set cinematografici.
È proprio dal cinema che arriva anche il momento più atteso del lancio: un cortometraggio diretto da Guadagnino, scritto da Scott Z. Burns — sceneggiatore di Contagion, The Bourne Ultimatum e The Report — con un cast che include Jamie Bell, Chase Sui Wonders, Michael Stuhlbarg e Patricia Arquette. Girato in Europa, il film riporta il progetto alle sue origini, con la scenografia firmata dallo stesso Baisi, quasi a chiudere il cerchio tra lo schermo e lo spazio domestico.
Baisi Guadagnino per Zara Home by Valerie Sadoun
A raccontare la filosofia dietro le scelte progettuali è lo stesso duo creativo, che paragona la selezione di un oggetto d’arredo a un gesto istintivo, quasi irrazionale: una lampada, un tavolino, un profumo, il colore di una parete diventano tasselli di una cosmologia privata, fatta di luce, ombra e desiderio.
Baisi Guadagnino per Zara Home by Valerie Sadoun
Dallo scaffale allo store: Atlas of Desire come esperienza totale
La cifra autoriale di Baisi e Guadagnino non si ferma ai prodotti: il duo ha progettato anche l’allestimento della collezione all’interno dei punti vendita, portando la propria visione estetica nello spazio fisico dello shopping. Il lancio sarà celebrato il 26 e 27 settembre a La Pelota, a Milano, con un pop-up aperto al pubblico durante la Fashion Week, prima della distribuzione ufficiale online e in una selezione di store internazionali.
L’operazione si inserisce in una strategia più ampia di Zara Home, che negli ultimi anni ha moltiplicato le collaborazioni autoriali — da Vincent Van Duysen a Smeg, fino a Morris & Co. — spostando progressivamente il proprio posizionamento verso un’idea di design contemporaneo e riconoscibile, più vicino al gusto delle riviste di settore che a quello di un classico negozio di arredamento accessibile.
Baisi Guadagnino per Zara Home
Con Atlas of Desire, il marchio spagnolo scommette su un racconto che va oltre il prodotto: una narrazione fatta di cinema, memoria del design del Novecento e desiderio domestico, capace di trasformare l’acquisto di una sedia o di una candela in un piccolo atto di identità.
All’ultimo piano di un edificio in stile funzionalista risalente alla Prima Repubblica cecoslovacca, nel cuore del quartiere Vinohrady a Praga, si trova un piccolo appartamento che ribalta le regole del piccolo spazio abitativo. Progettato dallo studio Architéka, l’appartamento Košická occupa appena 52,8 metri quadrati, ma li utilizza con una libertà di movimento che raramente si trova in metrature ben più generose.
Il doppio affaccio e il collegamento diretto con le terrazze permettono alla luce naturale di attraversare gli ambienti per tutto il giorno, restituendo una sensazione di ariosità che smentisce, fin dal primo sguardo, i limiti della superficie disponibile.
Ristrutturare un piccolo appartamento: un cubo verde al centro di tutto
La vera intuizione progettuale di questo piccolo appartamento è un volume compatto e monolitico, rivestito in un verde salvia intenso, che occupa il centro della pianta e al suo interno racchiude cucina, armadio e ripostiglio. Non è un semplice elemento d’arredo, ma un vero e proprio elemento architettonico: raccogliendo in un unico blocco tutte le funzioni di servizio, libera il resto della casa da vincoli strutturali e permette una circolazione fluida tra gli ambienti.
Attorno al cubo, gli spazi si distribuiscono senza le rigide separazioni tipiche degli appartamenti tradizionali. Cucina a vista, zona pranzo, soggiorno e stanze private dialogano tra loro, mentre il volume verde agisce come una sorta di fulcro visivo e funzionale — un’architettura nell’architettura che i progettisti hanno trattato con la stessa cura riservata ai dettagli di un mobile su misura.
Stanze che cambiano identità
Il nucleo centrale libera gli ambienti perimetrali, che diventano così stanze polivalenti: a seconda delle esigenze della famiglia, uno stesso spazio può funzionare come camera da letto, cameretta per bambini o angolo studio. Letti contenitore con cassetti integrati, mensole a giorno e scrivanie a incasso permettono di riconfigurare rapidamente l’uso delle stanze, senza interventi murari e senza compromettere la qualità architettonica degli interni.
Questa filosofia di adattabilità silenziosa attraversa tutto il progetto: elementi pieghevoli, porte a scomparsa e mobili trasformabili offrono più scenari d’uso mantenendo però una lettura spaziale pulita e ordinata. Nulla, a colpo d’occhio, tradisce la complessità funzionale nascosta dietro pannelli e ante a filo muro.
Nel bagno, la scelta di combinare vasca e doccia in un unico volume rivestito da un mosaico blu polvere ottimizza lo spazio senza rinunciare al comfort, creando al contempo un momento cromatico distintivo rispetto alla base più neutra del resto della casa. Il soffitto microforato e le finiture in tono completano un ambiente che appare più ampio di quanto la metratura reale lasci immaginare.
All’esterno, la terrazza amplia concretamente lo spazio abitativo: ospita una zona pranzo all’aperto e una compatta sauna, trasformando quello che in molti appartamenti resterebbe un semplice balcone in una vera stanza aggiuntiva, utilizzabile per gran parte dell’anno.
Materiali: il contrasto che dà carattere al piccolo appartamento
Dal punto di vista materico, questo piccolo appartamento si costruisce su un dialogo tra colori decisi e superfici naturali. Il verde del cubo centrale — così come le sue varianti più tenui nel bagno e negli armadi a specchio dell’ingresso — convive con il calore del legno di rovere, presente nei mobili su misura, nel parquet a spina di pesce e nei rivestimenti delle pareti attrezzate. Il pavimento in terrazzo con aggregati di vetro, utilizzato negli spazi di servizio, introduce una texture minerale che bilancia la morbidezza del legno, mentre le pareti bianche lasciano che i volumi colorati emergano senza saturare la percezione dello spazio.
Il risultato è un equilibrio riuscito tra gioco e misura: un interno capace di risultare al tempo stesso vivace — grazie ai tocchi arancioni e rossi di sedie e complementi — e profondamente rilassante, grazie alla coerenza cromatica e materica che tiene insieme ogni ambiente.
Piccolo appartamento, grande lezione progettuale
Il piccolo appartamento Košická dimostra come la qualità dello spazio non dipenda dai metri quadrati a disposizione, ma dall’intelligenza con cui vengono organizzati. Concentrando le funzioni di servizio in un unico volume scultoreo e progettando ogni arredo per svolgere più ruoli, Architéka ha trasformato un piccolo appartamento in una casa flessibile, luminosa e pienamente adatta alla vita quotidiana di una famiglia in evoluzione — la prova che il piccolo, se ben disegnato, può davvero abitare come il grande.
Sul delta del fiume Senegal, dove le acque dolci incontrano l’oceano Atlantico oltre la sottile lingua di sabbia della Langue de Barbarie, sorge uno dei progetti di hospitality più interessanti degli ultimi anni. O’ndar, The River Stones of Senegal ha appena conquistato l’International Architecture Award 2026 nella categoria Hotels, il riconoscimento promosso da The Chicago Athenaeum: Museum of Architecture and Design insieme a The European Centre for Architecture Art Design and Urban Studies.
Non è un premio da poco: la giuria internazionale ha selezionato circa 190 progetti tra oltre 500 candidature arrivate da tutto il mondo, per un award che quest’anno taglia il traguardo della ventunesima edizione. Tra i vincitori, O’ndar si distingue come primo eco-resort della categoria ONOMO Allure, firmato dallo studio mid [michelangeli design] e situato a Saint-Louis, storica città senegalese affacciata sull’oceano.
Un’architettura che nasce dal paesaggio
Quello che colpisce di O’ndar The River Stones of Senegal, ancora prima di guardarne le forme, è l’approccio progettuale. Il resort non si impone sul territorio: lo interpreta. Il sito su cui sorge è caratterizzato da condizioni climatiche e topografiche estremamente delicate, sospeso com’è tra fiume e oceano, e l’architettura ha scelto di seguirne la morfologia invece di sovrapporvisi.
Il risultato è un complesso dove i tetti in fibre vegetali, dal profilo morbido e sinuoso, ricordano le vele o le onde del delta, sorretti da una foresta di pilastri lignei che si intrecciano come tronchi spogli nella sabbia. Le facciate in materiali naturali dialogano con la vegetazione rada del paesaggio saheliano, mentre gli spazi comuni – dalla lobby alle aree lounge – sono pensati per restare aperti, ventilati, in costante rapporto con la luce esterna.
Dietro queste scelte non c’è solo un’intenzione estetica, ma una vera e propria strategia bioclimatica: orientamento degli edifici, controllo dell’irraggiamento solare, ventilazione naturale e uso dell’inerzia termica dei materiali diventano strumenti concreti per garantire comfort senza dipendere da sistemi tecnologici invasivi. Una sintesi, insomma, tra saperi costruttivi locali e soluzioni contemporanee a basso impatto.
La filosofia “Poetry of Matter” di Jérôme Michelangeli
A firmare il progetto è Jérôme Michelangeli, architetto e designer francese formatosi all’École des Beaux-Arts di Parigi, fondatore dello studio mid [michelangeli design] con base a Madrid. Il suo lavoro si fonda su un concetto che lui stesso ha battezzato “Poetry of Matter”: l’idea che architettura, interior design e progettazione degli oggetti non siano discipline separate, ma livelli diversi dello stesso racconto narrativo.
In quest’ottica, la sostenibilità non è un accessorio aggiunto a posteriori, ma parte integrante del processo creativo fin dalle prime fasi. Materia, artigianato locale, arte e innovazione tecnologica concorrono insieme a costruire ambienti che vogliono essere, prima di tutto, emotivamente coinvolgenti.
Per Michelangeli, inoltre, l’hospitality rappresenta una delle forme più complete della progettazione, perché coinvolge ogni senso dell’ospite: dal momento dell’arrivo alla percezione degli spazi, fino al passaggio graduale dalla dimensione pubblica a quella più intima e privata delle camere.
Il futuro dell’ospitalità in Africa
O’ndar, The River Stones of Senegal si inserisce in un percorso professionale che ha già portato lo studio mid [michelangeli design] a realizzare o sviluppare oltre 1.000 camere d’hotel nel continente africano. Un dato che racconta bene quanto il tema dell’hospitality sostenibile in Africa sia oggi centrale, in un momento di rapida espansione del settore alberghiero continentale.
Secondo Michelangeli, il futuro di questo settore si gioca proprio sull’equilibrio tra comfort di livello internazionale, espressione culturale autentica, artigianato locale e attenzione ambientale. Un progetto riuscito, per lo studio, dovrebbe dare la sensazione di non poter esistere in nessun altro luogo al mondo: una filosofia che a O’ndar sembra trovare piena espressione, tra le acque del delta e la sabbia della costa atlantica.
Dove vedere il progetto The River Stones of Senegal
O’ndar, The River Stones of Senegal sarà protagonista della mostra “The City and the World”, dedicata ai vincitori dell’International Architecture Awards 2026, in programma ad Atene dal 18 settembre al 18 ottobre 2026 presso The European Centre – Contemporary Space Athens. La cerimonia ufficiale di premiazione si terrà proprio il 18 settembre nella capitale greca. Il progetto sarà inoltre incluso nel volume Global Design + Urbanism XXVI – New International Architecture 2026, pubblicato da Metropolitan Arts Press.
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